10. Vladímir Menshov (1939-2021)
Lo que importa no es la cantidad, sino la calidad, y más aún en el ámbito del cine. Y ése es exactamente el caso de Vladímir Menshov, que no ganó muchos premios internacionales en vida. Sin embargo, su triunfo más notable valió por mil. Menshov, que creció en el sur de Rusia, hizo sólo un puñado de películas, y todas ellas llegaron al corazón de la gente. Moscú no cree en las lágrimas (1980), centrada en tres amigas que comparten un dormitorio y están decididas a triunfar en la gran ciudad, demostró ser una película muy cercana y se llevó el Oscar a la mejor película extranjera en 1981. La película le valió al director soviético el reconocimiento nacional e internacional. Menshov conocía la naturaleza humana como nadie y su siguiente película también se convirtió en un éxito de taquilla ruso. Amor y palomas (1984), una comedia social de alcance universal, fue un gran éxito y se llevó el primer premio en el festival internacional de cine de España.
9. Gleb Panfílov (1934)
Nacido en Magnitogorsk, una ciudad industrial de la región de Cheliábinsk, Gleb Panfílov se especializó inicialmente en química antes de pasarse al cine. Realizó su primera película, Sin camino por el fuego, en 1968. En 1969, el drama ganó el Leopardo de Oro en el Festival Internacional de Cine de Locarno. Los premios internacionales comenzaron a llegar. El debut (1970), un drama romántico sobre las dificultades del amor, le valió a Panfílov el León de Plata en el festival de Venecia de 1971. Durante el rodaje de la película, se casó con una joven actriz prometedora llamada Inna Churikova, que se convirtió en su musa y aportó un carisma y una sabiduría sin precedentes a todas sus películas posteriores. La siguiente obra maestra de Panfílov, El tema (1979), también protagonizada por Churikova, fue galardonada con un Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín. El poderoso drama social de Panfílov, Deseo hablar (1975), también fue aclamado en el festival de Karlovy Vary en 1976.
8. Larisa Shepitko (1938-1979)
Shepitko debutó como directora en 1963 con la película Calor. El drama, basado en el cuento de Chingiz Aitmatov, ganó el Gran Premio del Festival Internacional de Karlovy Vary de ese año. Trabajando en la película, Larisa conoció al amor de su vida, Elem Klimov (el futuro director de Ven y mira). En la década de 1970, Shepitko realizó películas autorreflexivas y socialmente relevantes, como Tú y yo (1971), que ganó el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia, y El ascenso (1976), la primera película soviética en ganar el codiciado Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín en 1977. Su estilo característico ha sido venerado en todo el mundo. Ambientada en la Segunda Guerra Mundial, La ascensión también está en la lista de la BBC de las mejores películas de directoras, situada en el puesto 11, entre Zero Dark Thirty (2012) de Kathryn Bigelow y Daughters of the Dust (1991) de Julie Dash.
7. Mijaíl Kalatózov (1903-1973)
Si quieres ver una sola película sobre la Segunda Guerra Mundial, apuesta por Las grullas vuelan (1957) y no te arrepentirás. Repleta de primeros planos e impresionantes imágenes, es la única película soviética que ha ganado la codiciada Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes. La película de Kalatózov se encuentra entre las mejores películas bélicas del mundo. En 1958, Tatiana Samoilova, a la que a menudo se llamaba la Audrey Hepburn rusa, recibió elogios por ser la “actriz más modesta y encantadora” de Cannes. Su interpretación de Veronika, una joven cuya vida descarrila después de que su prometido se vaya a la guerra, se convirtió en su papel más reconocido
El drama de Mijaíl Kalatózov La conspiración de los condenados (1950) fue premiado en el festival de cine de Karlovy Vary, mientras que su drama poco ortodoxo Yo soy Cuba (1964) causó una impresión tan fuerte en Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, que tras descubrirla accidentalmente en la década de 1990, los veteranos de Hollywood ayudaron a restaurar y proyectar la película en festivales internacionales de cine.
6. Serguéi Bondarchuk (1920-1994)
La obra magna de Bondarchuk, de seis horas de duración, Guerra y Paz, se convirtió en la primera película soviética en ganar un Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1969. La saga también ganó el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa. Repleta de tensión y sabiduría, la película narra los acontecimientos de la Guerra Patria de 1812, vistos a través de los ojos de cinco familias aristocráticas rusas. La película tardó siete años en realizarse, convirtiéndose en la producción más cara jamás realizada en la URSS. El estilo narrativo característico de Tolstói, las escenas de batallas épicas y los personajes más grandes que la vida cobran vida en esta obra maestra del cine. Probablemente no haya ningún otro drama de época tan trascendental y conmovedor como la saga de cuatro partes de Bondarchuk.
5. Nikita Mijalkov (1945)
Hijo del poeta infantil Serguéi Mijalkov (autor de las letras de los himnos nacionales soviético y ruso), la primera gran experiencia actoral de Nikita llegó en 1963. Siendo aún estudiante, protagonizó una de las películas favoritas de Rusia, Paseo por Moscú (1963). Han pasado muchos años desde entonces, y Mijalkov se ha convertido en uno de los directores más influyentes de Rusia. Ha sido nominado tres veces al Oscar, ganando el premio a la "Mejor película de habla no inglesa" en 1995 por su película Quemado por el sol (1994). Entre sus premios internacionales se encuentran el León de Oro del Festival de Venecia por Urga (1991), así como el Gran Premio del Festival de Cannes y el Oscar a la mejor película extranjera por Quemado por el sol.
En 2007, el drama de Mijalkov Doce (2007) ganó un premio especial del jurado en el Festival de Venecia. Se trata de un remake del largometraje de Sidney Lumet de 1957, tiene poco que ver con el viejo clásico, salvo que ambas películas se centran en un juicio por asesinato. Un joven checheno de 18 años es acusado de matar a su padrastro, un oficial ruso. Doce miembros del jurado se encierran en el gimnasio de una escuela de Moscú para decidir su destino. La decisión tiene que ser unánime, pero cuando la vida de alguien está en juego, siempre hay lugar para la vacilación y las tensiones aumentan.
4. Alexánder Sokúrov (1951)
Se dio a conocer como un director de cine y un fuerte competidor en los principales festivales internacionales, como Cannes y Berlín. Su debut, La voz solitaria de un hombre (1978), prohibida en la Unión Soviética, ganó el Leopardo de Bronce de Locarno en 1978. Su otra obra maestra, Moloch (1999), representaba un día en la vida de Adolf Hitler. La película fue candidata a la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1999, y el guionista de Sokúrov, Yuri Arabov, ganó el codiciado Premio al mejor guión. En 2007, Sokurov recibió el Premio Robert Bresson en el Festival de Venecia. Este prestigioso premio se concede a artistas cuya obra promueve la cultura humana y se caracteriza por la búsqueda espiritual. Fausto (2011) de Sokurov se hizo con el codiciado León de Oro del Festival de Venecia. Deconstruyendo la imagen de Mefistófeles, Sokúrov dio a los espectadores algunas pistas sobre por qué un mal que todo lo consume tiende a ser más poderoso que la verdad que todo lo conquista. En 2017, el director de San Petersburgo recibió un premio a la trayectoria de la Academia de Cine Europeo por su “destacado trabajo en el campo de la dirección, la dramaturgia y la cinematografía”.
3. Andréi Konchalovski (1937)
De no haber conocido a Andréi Tarkovski (con quien coescribió su famosa película Andréi Rublev,(1966), Konchalovsky se habría convertido definitivamente en pianista (estudió en el Conservatorio de Moscú y era un músico dotado). Sin embargo, en una carrera que abarca más de cinco décadas, su auténtica pasión por el cine nunca se ha desvanecido. El infatigable responsable de Tango and Cash (1989) y Runaway Train (1985) es uno de los pocos directores rusos cuyo nombre se ha convertido en sinónimo de un universo cinematográfico occidentalizado. Konchalovski ganó un Emmy por dirigir la miniserie de televisión de la NBC La Odisea en 1997. Su película House of Fools (2003), ambientada en un psiquiátrico checheno, le valió un León de Plata en el Festival de Venecia. Konchalovski ganó dos veces el León de Plata a la mejor dirección en el mismo festival: en 2014 por Las noches blancas del cartero (2014) y en 2016 por Paraíso (2016). Ambientado en el Holocausto, el drama protagonizado por la esposa de Konchalovski, Julia Visótskaia, retrata la relación entre un preso del campo de concentración y un oficial de las SS. La última obra de Konchalovski, Queridos camaradas (2020), basada en la historia real de una dramática huelga laboral en 1962 en la Unión Soviética, ganó el Premio Especial del Jurado en el 77º Festival Internacional de Cine de Venecia.
2. Andréi Tarkovski (1932-1986)
Decenas de tesis doctorales, artículos y libros se han dedicado a uno de los directores rusos más venerados, Andréii Tarkovski. Fue un genio del cine, cuyas sofisticadas películas siguen siendo exploradas por cinéfilos y aficionados de todo el mundo. La infancia de Iván (1962), su debut, yuxtaponía los desgarradores momentos de la guerra y la pacífica vida anterior a la misma, y mostraba a un niño que había perdido a su madre, su hermana y su padre. Rodada en blanco y negro y repleta de alucinantes secuencias oníricas e inquietantes flashbacks, mostraba el lado más catastrófico de la Segunda Guerra Mundial, a través de los ojos de un niño. La obra maestra de Tarkovski ganó el León de Oro en el Festival de Venecia y el Premio Golden Gate en el Festival Internacional de Cine de San Francisco.
Tarkovski hizo dramas existenciales profundamente conmovedores y convincentes. Su película Andréi Rublev (1966), sobre el legendario pintor de iconos ruso del siglo XV, ganó el Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes de 1969.
El largometraje de ciencia ficción, Solaris (basada en una novela de Stanislaw Lem) ganó el Gran Premio Especial del Jurado. Hipnótica e inquietante, fue rodada en Japón, Moscú y Crimea y abordaba la lucha entre la psique y el carácter, la naturaleza y la ciencia, el amor y los demonios. Su película
Stalker (1979) ganó el Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes, mientras que Sacrificio (1986) se proyectó en el Festival de Cannes y recibió el Gran Premio Especial del Jurado, el Premio FIPRESCI y el Premio del Jurado Ecuménico.
1. Andréi Zviáguintsev (1964)
Este director nacido en Siberia alcanzó el estrellato de forma instantánea tras recoger el León de Oro de Venecia en 2003 por su primer largometraje, El regreso (2003), una poderosa parábola sobre padres e hijos y las consecuencias del destino. Su segundo largometraje, El destierro (2007), obtuvo críticas generalmente positivas, y el actor principal, Konstantín Lavronenko, fue galardonado como mejor actor por el jurado de Cannes en 2007. Mientras que las dos primeras películas de Zviáguintsev estaban vagamente ligadas a la realidad, su tercer largometraje, Elena (2011), ejemplificó el estilo realista del director. Esta obra maestra se estrenó en el Festival de Cannes, donde fue galardonada con el Premio Especial del Jurado en 2011. En 2019, este drama familiar se convirtió en la única película rusa que entró en la lista de las 50 mejores películas de la década de 2010, elaborada por la revista Rolling Stone. Su siguiente obra, Leviatán (2014), también se presentó en el Festival de Cannes, donde también obtuvo el codiciado premio al mejor guión en 2014. Su último drama, Sin amor (2017), se adentra en la desesperación y se centra en un hijo abandonado de unos padres que van a divorciarse. Andréi Zviáguintsev recibió el premio del jurado en la 70ª edición del Festival de Cannes por su inquietante obra cinematográfica. Sin amor también ganó el máximo galardón cinematográfico de Francia, el Premio César, como mejor película extranjera. Este drama de 127 minutos también fue nominado al Oscar en la categoría de película de habla no inglesa.
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